IMPORTÂNCIA DA HISTÓRIA: Arte Naif

(Regionais: Bajado e Mestre Vitalino)
{Nacionais: Heitor dos Prazeres}
[Universais: Henri Rousseau e Klee]

O significado de Arte Naif, também denominada de Arte Primitiva Moderna pode ser interpretado como um tipo de arte simples, desenvolvida por artistas sem preparo e conhecimento das técnicas acadêmicas. É considerada uma arte com elementos sem conteúdo. O termo inglês Naif pode ser traduzido como ingênuo e inocente, por isso a compreensão simplista. A falta de técnica não retraiu o desenvolvimento desta arte, que recebeu grande destaque, ao ser valorizada por apreciadores da estética e pessoas comuns.

A característica da Arte Naif é o déficit de qualidade formal. Os desenhos e grafias não possuem acabamento adequado, com traços sem perspectiva e visível deficiência na aplicação de cores, texturas e sombras. A estética desta arte pode ser definida como sem compromisso com a arte real, pois mistura de cores sem estudo detalhado de combinações e as linhas possuem traços sempre figurativos e bidimensionais.

Arte Naif é a arte sem escola ou aprendizado técnico. O artista parte de suas experiências próprias e as expõe de uma forma simples e espontânea. Esta estética não pode ser enquadrada em tendências modernistas, sobretudo na arte popular, pois foge a regra. Ao analisar a construção deste tipo de arte, é possível verificar que o artista utiliza experiências pessoais, oriundas de sua convivência com o meio e cultura geral, sendo assim, há uma pequena esfera cultural embutida na Arte Naif. Mesmo assim, estudiosos deste conceito, a comparam a um tipo de arte primitiva e infantil, sem sofisticação ou requinte sistemático.

Afirma-se que este tipo de arte possui liberdade estética e pode ser resumida como uma arte livre de convenções. Críticos dizem que em termos gerais, a Arte Naif é concebida por artistas que pintam com a alma, diferente da arte desenvolvida por artistas acadêmicos, que pintam apenas com o cérebro, não expressando sentimento.

O ícone da Arte Naif é Henri Rousseau, pintor especialista em cores, considerado por muitos como precursor da corrente e principal artista. Henri não possuía educação geral, nem tampouco conhecimento em arte ou pintura. Ao levar a público, sua primeira obra denominada "Um dia de carnaval", no Salão dos Independentes, o artista foi severamente criticado por ignorar princípios básicos de geometria e perspectiva. A obra retratava paisagens selvagens mescladas a um emaranhado de tramas, as quais remetem a sonhos e sentimentos do artista. Mas seu reconhecimento só se fez valer no século XX, após ser admirado por Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay e Alfred Jarry, além de renomados intelectuais. Relatos comprovam que sua obra foi reconhecida na França (Paris) e através de sua obra, a Arte Naif influenciou e embasou a corrente estética do Surrealismo de Salvador Dali, no ano de 1972.

Bajado

}Euclides Francisco Amâncio, mais conhecido como Bajado, foi um artista plástico pernambucano nascido no dia 9 de dezembro de 1912 no município de Maraial, zona da mata pernambucana. Desde muito pequeno, que o menino Bajado mostrou talento para o desenho. A inspiração para suas criações vinha do cinema, uma de suas grandes paixões. Na época Bajado não tinha dinheiro para comprar a entrada para o cinema e a solução era vender pão doce e bolinhos de goma feitos pela mãe e pela avó. Quando deixava a sala de projeção, o menino pegava papel e desenhava em formato gibi a história que acabara de ver. Ainda jovem Bajado deixou Maraial e se mudou para a cidade de Catende-PE, onde permaneceu até 1930 trabalhando como ajudante e pintor de cartazes de filmes. Quatro anos mais tarde fixa residência em Olinda, onde continuou pintando cartazes para cinema e trabalhando como operador de máquina do Cine Olinda, função que exerceu até 1950. O apelido Bajado surgiu na infância por causa de uma brincadeira durante um jogo de bicho, um dos passatempos preferido do artista.

Bajado. Foto autoria desconhecida.

}Em 1956 iniciou de forma profissional uma carreira de artista plástico, realizando a pintura de painéis e murais em centros comerciais e na decoração do Carnaval de Olinda. Bajado retratou os grandes clubes carnavalescos da velha cidade Patrimônio; Pitombeira dos Quatro Cantos, Elefante, O Homem da Meia-Noite, Vassourinhas, assim como o frevo rasgado na Ribeira, Largo do Amparo, Varadouro e na Praça do Carmo. Em 1964, junto com alguns amigos de profissão, inaugurou o Movimento de Arte da Ribeira, em Olinda, onde passou a expor seus trabalhos. Durante sua vida artística, Bajado reproduzir ainda inúmeras telas sobre a vida cotidiana, o sofrimento, as emoções e a cultura do povo pernambucano. O artista possuía um temperamento calmo e brincalhão. Fluiu na arte, com a simplicidade de um homem humilde. Era considerado um artista primitivo, inserido no estilo da arte contemporânea. Sua tendência artística era a liberdade de estética, comum na arte moderna.

Bajado, viva o homem da meia noite, óleo sobre madeira.

Foto: João Liberato©

}O artista realizou inúmeras exposições individuais e participou de mais de 100 coletivas. No Brasil expôs em cidades como, Rio de Janeiro, São Paulo, Brasília, Curitiba, Florianópolis, Porto Alegre e Vitória. No exterior, Bajado participou de exposições na França, Itália, Espanha, Holanda e República Tcheca. Em 1994, Bajado foi homenageado com uma mostra internacional na sede da Unesco, em Paris, com a participação de diversos artistas internacionais. Hoje seus trabalhos figuram em pinacotecas públicas e particulares do Brasil e do Exterior.

}
Bajado morreu em 1996, aos 84 anos de idade, em sua residência localizada na Rua do Amparo, nº 186, Olinda-PE.

Bajado, viva o homem da meia noite, óleo sobre madeira.

Bajado, nossa cirandinha, óleo sobre madeira.

Foto: João Liberato©

Bajado, o nosso pastoril, óleo sobre madeira.

Bajado, título desconhecido, óleo sobre madeira.

Bajado, o boi da vila, óleo sobre madeira.

Bajado, o nosso pastoril, óleo sobre madeira. Foto: João Liberato©

Mestre Vitalino

Mestre Vitalino, Caruaru, Pernambuco, 1947. Foto: PIERRE VERGER

vVitalino Pereira dos Santos foi um homem despretencioso sobre o futuro sua arte. Ele nasceu no dia 10 de julho de 1909 no distrito de Ribeira dos Campos, nas cercanias da cidade de Caruaru, Pernambuco. Sua história com o barro começou cedo, tinha apenas 6 anos de idade; aprendeu com sua mãe, Dona Josefa, que além de lavradora era doceira. Vitalino aproveitava as sobras do barro utilizado por sua mãe na fabricação de pratos, tigelas, panelas e potes. No começo fazia pequenos animais, como bois e cavalos que os irmãos levavam para vender na feira. Com o tempo, o mestre passou a aprimorar sua técnica e começou a retratar várias cenas do cotidiano da região. Os especialistas da obra de Vitalino contabilizam mais de 130 temas retratados pelo mestre.

vSua vida foi como a de muitos nordestinos: pobre, não frequentou a escola porque tinha que ajudar seus pais na lavoura. Fisicamente também não se distinguia muito dos demais homens da região: baixo e franzino, cor parda, pele áspera e queimada do sol. Casou-se aos 22 anos de idade com Joana Maria da Conceição, a Joaninha, com que teve 16 filhos, dos quais apenas 6 sobreviveram. Após 17 anos de casamento deixou o sítio Campos e se mudou para o Alto do Moura, comunidade localizada a 7 Km de Caruaru, onde passou o resto de sua vida. No Alto do Moura sua obra passou a ter mais destaque, ele era muito admirado pelos demais moradores do lugar. Todos queriam ver de perto seu trabalho e aprender com o mestre.

vNa década de 40 as obras do Mestre Vitalino ganharam grande notoriedade na região Sudeste a partir de uma Exposição de Cerâmica Popular Pernambucana, organizada por Augusto Rodrigues no Rio de Janeiro em 1947. Depois em São Paulo expôs no Museu de Arte de São Paulo - MASP em 1949. Depois disso, a obra de Vitalino caiu no gosto das elites e virou noticia na imprensa nacional; isso fez com que a feira de Caruaru, local onde o mestre comercializava suas peças, tornasse uma atração turística. Em 1960, Vitalino fez sua primeira viagem de avião para o Rio de Janeiro. Durante os 15 dias que permaneceu na cidade, compareceu a jantares, exposições, entrevistas e programas de televisão. Essa seria a época do apogeu da obra de Vitalino, do qual ele parecia não ter muita consciência. Como prova disso está o fato do mestre só ter passado a assinar suas peças depois de ter sido aconselhado por Abelardo Rodrigues, pois um dia aquele trabalho poderia valer muito. Depois da viagem ao Rio, vieram outras como a Brasília e de São Paulo. Vitalino ganhava o Brasil e o mundo, mas infelizmente seu tempo de vida a partir desta época foi muito curto. Vitalino morreu em 1963, aos 57 anos, vítima de varíola, do descaso e da falta de conhecimento.

vComo ocorre na maioria dos casos, o reconhecimento da obra do Mestre Vitalino ganhou ainda mais importância e notoriedade após a sua morte. Suas obras mais famosas são o Violeiro, o Boi, o Trio pé de serra, o Enterro na rede, o Cavalo-marinho, o Casal no boi, os Noivos a cavalo, o Caçador de onça, aFamília lavrando a terra, Lampião e Maria Bonita, dentre outras.

Mestre Vitalino modelando o barro, Caruaru, Pernambuco, 1947. Foto: PIERRE VERGER

Mestre Vitalino comercializando suas peças na feira de Caruaru, Pernambuco, 1947. Foto: PIERRE VERGER

vA produção do artista passou a ser iconográfica e inspirou a formação de várias gerações de artistas, especialmente no Alto do Moura em Caruaru. Nesta geração de artistas populares do Alto do Moura influenciados pelo mestre destacam-se nomes como: Manuel Eudócio (Mestre Eudócio), Severino Vitalino (filho do mestre), Elias Vitalino (neto do mestre), Marliete Rodrigues, Socorro Rodrigues, Seu Elias e vários outros.

Mestre Vitalino, Noivos, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, Homem tirando leite, cerâmica, Reprodução fotográfica autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Noivos a cavalo, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Violeiros, cerâmica policromada. Acervo do Museu Casa do Pontal, Rio de Janeiro-RJ. Foto: autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Onça atacando, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, Cambiteiro, cerâmica. Acervo do Museu do Homem do Nordeste, Recife-PE. Foto: arquivo pessoal.

Mestre Vitalino, Boi, cerâmica policromada. Acervo do Museu de Arte Popular do Recife. Foto: autoria desconhecida.

Mestre Vitalino, Boi, cerâmica. Acervo do Museu de Arte Popular do Recife. Foto: autoria desconhecida.

Mestre Vitalino, Cangaceiro a cavalo, cerâmica. Acervo do Museu de Arte Popular do Recife. Foto: autoria desconhecida.

vParte de sua obra pode ser contemplada em importantes museus, alguns dedicados à arte popular, como o Museu de Arte Popular do Recife (Recife), Museu Casa do Pontal (Rio de Janeiro) e o Museu do Folclore Edison Carneiro (Rio de Janeiro). Vitalino possui ainda obras expostas no Museu do Homem do Nordeste (Recife), Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro) e no Museu do Louvre (Paris, França). Entretanto, a maior parte de suas obras faz parte de coleções particulares. As obras de Vitalino alcançou ao longo dos anos um elevado valor econômico e ainda são comercializadas em alguns leiloes de arte pelo Brasil.

Mestre Vitalino, Cangaceiro, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, boi, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Cachorro abocanhando um teju, cerâmica policromada, acervo Museu de História e Arte do Estado do Rio de Janeiro

Mestre Vitalino, Carro de boi, cerâmica. Acervo do Museu do Homem do Nordeste, Recife-PE. Foto: arquivo pessoal.

Mestre Vitalino, vaquejada, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Lampião, cerâmica policromada, acervo Museu de História e Arte do Estado do Rio de Janeiro.

Mestre Vitalino, Tropeiro, cerâmica. Acervo do Museu do Homem do Nordeste, Recife-PE. Foto: arquivo pessoal.

Mestre Vitalino, Banda de Músicos, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, boi, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Emboscada, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, retirantes, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida

Mestre Vitalino, vaquejada, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida

Mestre Vitalino, Caçador com seu cachorro, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, vaquejada, cerâmica. Acervo Museu de Arte Popular do Recife. Foto autoria desconhecida.

Mestre Vitalino, Caldeira, cerâmica. Acervo do Museu do Homem do Nordeste, Recife-PE. Foto: arquivo pessoal.

Mestre Vitalino, Confissão, cerâmica policromada, Reprodução fotográfica Soraia Carls/ Evandro Carneiro Leiloes.

Mestre Vitalino, Cangaceiro a cavalo, cerâmica policromada. Acervo do Museu do Barro - Espaço Zé Caboclo, Caruaru, PE.

Mestre Vitalino, Noivos a cavalo, cerâmica, Reprodução fotográfica Lordello & Giobbi Leilões.

Heitor dos Prazeres

Heitor dos Prazeres foi um compositor, cantor e pintor autodidata brasileiro. Ele nasceu no Rio de Janeiro em 23 de setembro de 1898 e faleceu em 1966. Heitor era filho do marceneiro Eduardo Alexandre dos Prazeres que tocava clarinete e caixa na banda da Polícia Militar e Guarda Nacional, e de Celestina Gonçalves Martins dos Prazeres. Heitor começou a trabalhar muito cedo, aos 7 anos de idade, na oficina do seu pai. No mundo da pintura ingressou como autodidata por volta de 1937, estimulado pelo jornalista e desenhista Carlos Cavalcanti. Heitor dominava o clarinete e o cavaquinho, e suas composições alcançaram projeção nacional. Foi um dos pioneiros do samba carioca. Entre1937 a 1946 trabalhou como ritmista em várias rádios da cidade do Rio de Janeiro, dentre elas a Rádio Nacional. Foi um dos grandes compositores do samba carioca. Conviveu com grandes nomes da musica popular barsileira, como João da Baiana, Ismael Silva, Alcebíades Barcelos, Marçal, Cartola e muitos outros. Heitor adotou a pintura como hábito após a morte da esposa Glória; com a pintura teve seu trabalho reconhecido no Brasil e no exterior.

Heitor dos Prazeres. FOTO: autoria desconhecida

Heitor dos Prazeres em suas pinturas gostava de retratar a vida nas favelas cariocas: Crianças brincando de soltar balão e pipas, pular corda e jogar argolas, homens jogando sinuca e baralho, jovens em festas juninas e rodas de samba eram muito comuns em seus quadros. Uma das características mais marcantes em seus trabalhos são os rostos das pessoas sempre pintados lateralmente e com a cabeça e o olhar para o alto. A origem de garoto pobre da Praça Onze fez de Heitor dos Prazeres um artista sensível à vida e à cultura das favelas cariocas.

Heitor dos Prazeres, sem título, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres ao lado de duas de suas pinturas. FOTO: autoria desconhecida

Como pintor Heitor dos Prazeres recebeu alguns prêmios e homenagens pelo Brasil, dentre eles o 3º lugar para artistas nacionais na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, com o quadro Moenda, 1951 e a homenagem com sala especial na 2ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1953. Em 1954 criou os cenários e figurinos para o Balé do IV Centenário da Cidade de São Paulo. Heitor dos Prazeres realizou sua primeira exposição individual em 1959, na Galeria Gea, no Rio de Janeiro. Em 1965, Antônio Carlos Fontoura produziu um documentário sobre sua obra. Em comemoração ao centenário de seu nascimento, em 1999, foi realizada uma mostra retrospectiva no Espaço BNDES e no Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro. Em 2003 foi publicado o livro Heitor dos Prazeres: Sua Arte e Seu Tempo, da jornalista Alba Lírio.

Heitor dos Prazeres, Festa de São João, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, sem título, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, Carnaval nos Arcos da Lapa, óleo sobre tela.

As obras de Heitor dos Prazeres estão espalhadas pelo mundo em museus, galerias e coleções particulares.

Heitor dos Prazeres, Frevo, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, sem título, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, Roda de samba, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, sem título, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, Pierrot e sambistas, óleo sobre tela.

Heitor dos Prazeres, sem título, óleo sobre tela.

Henri Rousseau

Auto-Retrato

do artista com uma lâmpada

¨Henri Julien Felix Rousseau (21 de Maio de 1844 - 02 de setembro de 1910) foi um pintor francês pós-impressionista na maneira ingénua ou primitiva. Ele também é conhecido como Le Douanier (empregado da alfândega) depois de seu local de trabalho.Ridicularizado durante a sua vida, ele passou a ser reconhecido como um gênio autodidata cujas obras são de alta qualidade artística.

¨Ele nasceu em Laval, no Vale do Loire na família de um encanador. Ele participou Laval segundo grau como um estudante dia e, em seguida, como um pensionista, depois que seu pai tornou-se um devedor e seus pais tiveram que deixar a cidade após a apreensão de sua casa. Ele foi medíocre em algumas disciplinas na escola, mas ganhou prêmios para desenho e música. Ele trabalhou por um advogado e estudou direito, mas "tentativa de uma pequena perjúrio e procuraram refúgio no exército", servindo para quatro anos, com início em 1863.

¨Com a morte de seu pai, Rousseau se mudou para Paris em 1868 para sustentar sua mãe, viúva, como um empregado do governo. Com seu novo trabalho na mão, em 1869 ele começou um relacionamento com a filha de um marceneiro, Clemence Boitard, que se tornou sua primeira esposa e ele escreveu uma valsa que leva seu nome. Eles passaram a ter nove filhos, mas a tuberculose era abundante no momento e sete morreram em uma idade precoce. Em 1871, foi promovido ao escritório do coletor de impostos em Paris como um coletor de impostos. Ele começou a pintar a sério em seus quarenta e poucos anos, e por 49 anos, ele se aposentou de seu trabalho para trabalhar em sua arte. Sua esposa morreu em 1888 e, mais tarde, casou-se novamente.

¨Rousseau afirmou que ele tinha "nenhuma outra do que a natureza professor", embora tenha admitido que havia recebido "alguns conselhos" de dois pintores acadêmicos estabelecidos, Felix Auguste-Clement e Jean-Leon Gerome. Essencialmente ele era autodidata e é considerado um pintor ingênuo ou primitivo.

Pinturas

¨Suas pinturas mais conhecidas descrevem cenas da selva, mesmo que ele nunca deixou a França ou viu uma selva. Histórias se espalham por admiradores que o seu serviço militar incluídos a força expedicionária francesa para o México são infundadas. Sua inspiração veio de livros ilustrados e dos jardins botânicos em Paris, bem como quadros de "taxidermified" animais selvagens.Ele também conheceu soldados, durante o seu período de serviço, que tinha sobrevivido à expedição francesa ao México e ouviu suas histórias do país subtropical que tinham encontrado. Para o crítico Arsene Alexandre, ele descreveu suas frequentes visitas ao Jardin des Plantes: "Quando eu entro nas casas de vidro e vejo as plantas estranhas de terras exóticas, parece-me que eu entrar em um sonho."

¨Junto com suas cenas exóticas houve uma saída simultânea de imagens menores topográficas da cidade e seus subúrbios.

¨Ele alegou ter inventado um novo gênero da paisagem retrato, que ele alcançou, iniciando uma pintura com vista como uma parte favorita da cidade, e, em seguida, que descreve uma pessoa em primeiro plano.

A crítica e reconhecimento

¨Estilo simples, aparentemente infantil de Rousseau deu-lhe muitos críticos; muitas vezes as pessoas ficaram chocadas com o seu trabalho ou ridicularizados-lo. Sua ingenuidade era extremo, e ele não tinha conhecimento de que os artistas estabelecimento considerou-o ignorante. Ele sempre aspirou, em vão, à aceitação convencional. Muitos observadores comentaram que ele pintou como uma criança e não sabia o que estava fazendo, mas o trabalho mostra a sofisticação com a sua técnica particular.

¨A partir de 1886, ele exibiu regularmente no Salon des Indépendants, e, embora seu trabalho não foi colocado de forma proeminente, ele desenhou uma crescente seguinte ao longo dos anos. Tigre em uma tempestade tropical (! Surpreendida) foi exibido em 1891, e Rousseau recebeu sua primeira revisão séria, quando o jovem artista Felix Vallotton escreveu: "Sua tigre surpreendendo sua presa não deve ser desperdiçada, é o alfa eo ômega da pintura. " No entanto, foi mais de uma década antes de Rousseau voltou a representar a sua visão de selvas.

¨Em 1893, Rousseau mudou-se para um estúdio em Montparnasse onde viveu e trabalhou até sua morte em 1910. Durante 1897, produziu uma de suas pinturas mais famosas, La Bohemienne endormie (O cigano de sono).

¨Durante 1905 uma grande cena da selva O leão com fome joga-se no antílope foi exibido no Salon des Indépendants obras perto por mais jovens que conduzem artistas de vanguarda, como Henri Matisse no que é agora visto como a primeira exibição de Os fauvistas. A pintura de Rousseau pode até ter influenciado a nomeação dos fauvistas.

¨Em 1907 ele foi contratado pela mãe de artista Robert Delaunay, Berthe, Comtesse de Delaunay, para pintar O encantador de serpente.

O sonho

¨Quando Pablo Picasso aconteceu em cima de uma pintura por Rousseau sendo vendidos na rua como uma lona a ser pintado, o artista mais jovem instantaneamente reconheceu o gênio de Rousseau e foi ao seu encontro. Em 1908, Picasso realizou um meio sério, meio banquete burlesca em seu estúdio em Le Bateau-Lavoir em honra de Rousseau.

¨Após a aposentadoria de Rousseau em 1893, ele complementava sua pequena pensão com empregos a tempo parcial e de como tocar um violino nas ruas. Ele também trabalhou brevemente no Le Petit Journal, onde ele produziu uma série de suas capas.

¨Henri Rousseau morreu 02 de setembro de 1910 no Hospital Necker, em Paris. Sete amigos situou-se em seu túmulo no cemitério de Bagneux: os pintores Paul Signac e Otiz de Zarate, Robert Delaunay e sua esposa Sonia Terk, o escultor Brancusi, proprietário Armand Queval de Rousseau e Guillaume Apollinaire, que escreveu o epitáfio Brancusi colocar na lápide:

¨Nós o saudamos
suave Rousseau você pode nos ouvir
Delaunay sua esposa Monsieur Queval e eu
vamos nosso dever passe gratuito de bagagem através dos portões
do céu
vamos trazê-lo escovas tintas e telas
que você pode gastar o seu lazer sagrado na
luz da pintura verdade
como você uma vez fez o meu retrato
Diante das estrelas

Legado

¨A obra de Rousseau exerceu uma "influência extensa ... em várias gerações de artistas de vanguarda, começando com Picasso e incluindo Leger, Beckmann e os surrealistas," de acordo com Roberta Smith, um crítico de arte escrevendo no The New York Times."Incríveis auto-retratos de Beckmann, por exemplo, descer das formas bruscas, concentrados de retrato de Rousseau do escritor Pierre Loti".

exposições

¨Em 1911 uma exposição retrospectiva da obra de Rousseau foi exibido no Salon des Indépendants. Suas pinturas também foram mostrados na primeira exposição Blaue Reiter.

¨Duas grandes exposições do museu de sua obra foram realizadas em 1984-85 (em Paris, no Grand Palais, e em Nova York, no Museu de Arte Moderna) e em 2001 (Tübingen, Alemanha). "Estes esforços rebateu a persona do naif humilde, alheia ao detalhar seu assegurada obstinação e rastreado a extensa influência seu trabalho exercida sobre várias gerações de artistas de vanguarda", escreveu o crítico Roberta Smith em uma revisão de uma exposição mais tarde.

Floresta tropical com macacos e cobra

¨Uma grande exposição de sua obra, "Henri Rousseau: Selvas em Paris", foi exibido na Tate Modern de novembro de 2005, durante quatro meses, organizado pela Tate eo Musée d'Orsay, onde o show também apareceu. A exposição, que engloba 49 de suas pinturas, estava em exposição na National Gallery of Art, em Washington a partir de 16 de outubro 15 de julho de 2006.

¨Uma grande coleção de obra de Rousseau foram mostrados no Grand Palais de 15 Março a 19 de junho de 2006. (Da Wikipedia)

Selva com Leão

Surpresa!

Dois macacos na selva

Tigre em uma tempestade tropical Surpreso

The Jungle Equatorial

cigano de sono

Cavalo atacado por um Jaguar

os Flamingos

Surpresa desagradável

Vista do Bievre-sur-Gentilly

Paul Klee

Paul Klee: importante pintor da primeira metade de século XX

—Paul Klee foi um pintor suíço de nacionalidade alemã. É considerado um dos grandes pintores europeus do início do século XX, pois suas obras de arte estão situadas em três importantes movimentos artísticos (surrealismo, cubismo e expressionismo).

—Paul Klee nasceu na cidade suíça de Münchenbuchsee em 18 de dezembro de 1879.

—Paul Klee faleceu na cidade de Muralto (Suíça) em 20 de junho de 1940.

—- Começou sua carreira artística estudando artes plásticas na cidade alemã de Munique.

—- Sua primeira importante pintura foi "Minha Habitação", realizada em 1896.

—- Fundou em 1911, junto com Kandinsky e Franz Marc, um grupo artístico vinculado ao expressionismo.

—- Como era cidadão alemão, participou como soldado durante a Primeira Guerra Mundial.

—- Envolveu-se em vários grupos de arte europeus da primeira metade do século XX, tais como: Escola Bauhaus, Quatro Azuis e O Cavaleiro Azul.

—- Em 1924, junto com os outros pintores do grupo Quatro Azuis (Kandinsky, Jawlensky e Feininger), participou de uma importante exposição artística nos Estados Unidos.

—- Foi perseguido na Alemanha, na década de 1930, pelos nazistas. Teve que fuigr do país para não ser preso. Esta perseguição ocorreu devido ao envolvimento de Paul Klee com movimentos artísticos radicais, que eram renegados pelos nazistas.

—- Diagnosticado com uma doença degenerativa em 1936, foi internado em uma clínica médica, na cidade suíça de Muralto, onde faleceu quatro anos depois.

Polifonia: obra de Paul Klee

Estética e estilo artistico:

—Uso de padrões gráficos em forma de mosáicos;

—- Mistura de formas artísticas figurativas abstratas e figurativas;

—- Utilização da técnica de pintura, derivada do impressionismo, conhecida como pontilhismo;

—- Experimentações com a simetría da superfície da tela;

—- Expressou em suas obras interesses pessoais (músicas e poesias, por exemplo), crenças, sonhos e experiências de vida;

—- Utilização de várias técnicas e materiais (aquarela, óleo e tinta), muitas vezes combinando-os em suas pinturas;

—- Uso de grande variedade de cores fortes, como instrumento de composição artística.

Outras principais obras de arte

Cúpulas vermelhas e brancas (1914)

Composição cósmica (1919)

Jungwaldtafel (1926)

A Casa giratória (1921)

O gato e o pássaro (1928)

Ad Parnassum (1932)

O homem futuro (1933)

Nova harmonia (1936)

Mordendo a ísca (1920)

Arquitetura do plano (1923)

Cabeça de um mártir (1933)

Obs: Não achei as imagens

Curiosidade:

—As fortes e variadas cores que Paul Klee utilizou na sua famosa obra "Cúpulas vermelhas e brancas", foram inspiradas numa viagem que o pintor fez à Tunísia em 1914. Na visita a capital do país, Túnis, Klee ficou impressionado com a qualidade da luz do local e suas cores vibrantes.

Fontes